Zuhören. Während Haggai Cohen Milo am Kontrabass die Saiten zupft, wippen Pianist Marcin Masecki und Schlagzeuger Ziv Ravitz neben ihm im Takt, summen eine Melodie und schnalzen mit den Fingern den Beat. Guy Sternberg steht etwas abseits und hört aufmerksam zu. Wie immer. Das Trio möchte ein Jazzalbum einspielen, genauer gesagt eine Schallplatte. Für ein paar Tage haben sich die Musiker deshalb mit Guy Sternberg in seinem Tonstudio verabredet.

Der Aufnahmeraum befindet sich in einem Loft in einem Kreuzberger Hinterhof und ist mit Holzpaneelen an der Decke und einem Teppich unter dem Flügel ausgestattet. Zahlreiche Kabel hängen an den Wänden, überall stehen Mikrofone. Beste Voraussetzungen für eine besondere Aufnahme. Genau das ist ihr Ziel. Dieses Album wird es aber nur analog geben.

Müde und erschöpft nach einem langen Tag

Nach einem langen Tag sehen die Musiker etwas müde und erschöpft aus. Guy Sternberg kennt das aus seiner langjährigen Arbeit im Studio. Noch wenige Minuten zuvor saßen er und sein Mitarbeiter Benedikt Vogt, ebenfalls Musikproduzent, im Regieraum am Mischpult. Sie kontrollierten, ob die Einstellungen zur gewünschten Klangästhetik passten. »Man muss flexibel sein im Mix.« Über eine Kamera können sie in den Aufnahmeraum schauen und beobachten, wie die Musiker gemeinsam agieren.

»Das Geheimnis ist, Entscheidungen zu treffen«, sagt Guy Sternberg. Denn sie können nicht Hunderte Takes aufnehmen. Deshalb müssen sie mit kleinen Fehlern leben. Das Bandaufnahmegerät ist gnadenlos. »Aber das motiviert wiederum die Musiker, genau im Moment der Aufnahme alles zu geben.«

Sie musizieren zusammen, atmen gemeinsam, lachen sich an und bleiben miteinander in Kontakt. So entstehen lebendige Aufnahmen. Es sei eben eine Momentaufnahme – im Gegensatz zu digitalen Alben, bei denen Musiker oft in ihren eigenen vier Wänden ihren Part einspielen und die Aufnahme ins Studio schicken. Dort setzt ein Toningenieur die einzelnen Takes zusammen. »Es wird alles glattgebügelt.«

Über allem thront das Vintage-Mischpult

Die Musiker packen ihre Sachen ein und verabschieden sich. Guy Sternberg geht noch einmal durchs Studio. Technikfans hätten hier ihre Freude: Hunderte Meter Kabel sind verlegt, auf Tischen stehen mehrere Bandmaschinen. Über allem thront das Vintage-Mischpult.

»In der modernen Musikproduktion lassen sich einzelne Töne korrigieren, Instrumentenspuren verschieben und Gesangsstimmen nachträglich korrigieren. Musiker können unabhängig voneinander aufgenommen und später zu einem gemeinsamen Stück zusammengesetzt werden«, sagt Sternberg. Was früher einen erneuten Versuch erforderte, lässt sich heute oft mit wenigen Mausklicks reparieren.

Doch gerade das gemeinsame Musizieren ist ihm und vielen Musikern wichtig. So auch dem Countertenor Andreas Scholl und dem Lautenisten Edin Karamazov. Ursprünglich hatten die beiden gedacht, ihr Programm mit vertrauten Liedern innerhalb weniger Stunden aufnehmen zu können. Tatsächlich dauerte die Produktion zwei Tage, bis alle zufrieden waren. Insgesamt kalkuliert Guy Sternberg sechs bis sieben Arbeitstage pro Album.

Bei manchen Produktionen wird direkt auf das Masterband aufgenommen. Das Ergebnis liegt dann bereits in einem weitgehend fertigen Zustand vor; anschließend müssen die Titel nur noch in die richtige Reihenfolge gebracht werden. Andere Aufnahmen entstehen auf Mehrspurband und werden später abgemischt.

»Die Arbeit im Studio ist immer wieder aufregend«

»Die Arbeit im Studio ist immer wieder aufregend. Jede Aufnahme bringt neue Herausforderungen mit sich und verlangt eine andere Herangehensweise«, sagt Sternberg. Gleichzeitig koste der Prozess viel Energie. Musiker und Produzenten müssten hoch konzentriert bleiben, weil Fehler eben nicht beliebig korrigiert werden könnten.

Sie musizieren, atmen, lachen zusammen – so entstehen lebendige Aufnahmen.

Der Weg ins Tonstudio begann für den 51-Jährigen bereits im Alter von 15 Jahren. Damals durfte er zum ersten Mal eine professionelle Aufnahmesituation erleben. Der Eindruck blieb: »Das war für mich sofort ein Zauberort.« Sternberg lebte damals noch in Israel. Mit 17 Jahren gewann er gemeinsam mit seiner Band einen Wettbewerb, dessen Preis ein Tag im Tonstudio war. Zunächst hatte er Bassgitarre gespielt, später wechselte er zum Kontrabass. Die Musik spielte auch in seiner Familie eine Rolle: Sein Großvater war sehr musikalisch und grifft oft zur Mundharmonika, seine Mutter beherrschte mehrere Instrumente.

Sternberg studierte klassischen Kontrabass an der Musikakademie in Tel Aviv. Parallel dazu arbeitete er bereits in Aufnahmestudios, zunächst als Musiker, später auch als Produzent für andere Bands. Aus seinem Interesse an der Aufnahmetechnik wurde zunehmend ein Beruf.

»Meine klassische Ausbildung erwies sich als Vorteil«

1998 wurde er eingeladen, in Deutschland zu arbeiten. In den Babelsberger Studios sollte er den musikalischen Bereich eines Unternehmens unterstützen, das mit neuen Technologien und elektronischer Musik arbeitete. »Meine klassische Ausbildung erwies sich dabei als Vorteil: Ich konnte Instrumente spielen, komponieren und arrangieren, aber auch mit elektronischer Musik umgehen.« Aus dem vorläufigen Aufenthalt sind inzwischen rund 28 Jahre geworden.

2002 gründete er sein erstes eigenes Studio in Prenzlauer Berg: Low­Swing. Zu Beginn bestand die Ausstattung aus einer über Jahre hinweg gewachsenen Sammlung von Mikrofonen und anderen Geräten. Das Vintage-Mischpult kaufte er einem gerade eröffneten Studio in Kreuzberg ab. Nach und nach wurde die Technik repariert und ergänzt. LowSwing teilt sich aktuell die Räumlichkeiten in Kreuzberg mit dem Tritonus Tonstudio.

Sternberg geht durch den langen Flur in Richtung Küche, wo er sich ein Glas Leitungswasser holt. Zu seinen ersten größeren Projekten gehörte das Album Rose des Musikers Maximilian Hecker, das er gemeinsam mit dem britischen Produzenten Gareth Jones aufnahm.

Die ersten Jahre seines eigenen Studios

Die ersten Jahre seines eigenen Studios waren von einem tiefgreifenden technischen Wandel geprägt. Während in den 90er-Jahren noch überwiegend analog gearbeitet wurde, setzte sich die digitale Aufnahme zu Beginn der 2000er-Jahre immer stärker durch. Auch im LowSwing Studio wurde digital aufgenommen, obwohl dort weiterhin zahlreiche analoge Geräte standen. Die Rückkehr zur vollständig analogen Produktion erfolgte erst später – als bewusste Reaktion auf die Veränderungen der Musikindustrie.

»Besonders das Aufkommen der Streamingdienste brachte mich zum Nachdenken.« Die Möglichkeit, nahezu die gesamte Musik der Welt jederzeit auf dem Smartphone verfügbar zu haben, erschien zunächst faszinierend. Doch der Klang und vor allem das Geschäftsmodell überzeugten ihn nicht. Musik, die für ihn stets einen hohen persönlichen und materiellen Wert besessen hatte, schien plötzlich nahezu kostenlos verfügbar.

Sternberg setzt sich an einen großen Holztisch. Ein Kicker und mehrere Sofas stehen im Raum. Hier könnte man sich erholen. Doch der Tag war lang, und die Arbeit fordert ihn. Entspannen kann er erst später.

Ursprünglich sollte das Label lediglich ein einziges Album veröffentlichen.

Schon als Kind gab er sein Taschengeld für Schallplatten aus, später für CDs. Eine Sammlung aufzubauen, bedeutete für ihn, Musik bewusst auszuwählen und zu besitzen. Im Streaming-Zeitalter drohte diese Verbindung verloren zu gehen. Aus dieser Beobachtung entstand die Idee, eine Schallplatte vollständig analog aufzunehmen – ohne Computer und digitale Bearbeitung.

So entstand LowSwing Records. Ursprünglich sollte das Label lediglich ein einziges Album veröffentlichen: ein musikalisches Statement gegen die zunehmende Digitalisierung der Produktion und des Musikkonsums. Doch das Interesse war groß. Sternberg erkannte, dass sich aus dem Projekt mehr entwickeln ließ. Die Einnahmen reichten häufig aus, um die nächste Produktion zu finanzieren.

Inzwischen ist aus der ursprünglichen Idee ein eigenständiges Label geworden

Inzwischen ist aus der ursprünglichen Idee ein eigenständiges Label geworden. Neben dem kommerziellen Studiobetrieb, in dem weiterhin auch digitale Produktionen für andere Labels entstehen, bildet LowSwing Records einen zweiten Schwerpunkt. Sein Ziel für die kommenden Jahre ist klar: Das analoge Label soll stärker in den Mittelpunkt rücken. Statt nur gelegentlich Platten zu veröffentlichen, soll die Zahl der Produktionen steigen. Für das nächste Jahr sind sieben oder acht Alben vorgesehen.

Die analoge Arbeitsweise versteht Sternberg nicht als bloßen nostalgischen Rückgriff. Sie soll vielmehr eine Alternative zu einer Produktionspraxis sein, in der digitale Möglichkeiten zunehmend den Ablauf bestimmen. Als Musiker habe er Auftritte immer als anstrengend empfunden. Hinter den Kulissen zu arbeiten und die Musik anderer Menschen aufzunehmen, liege ihm mehr. Den Kontrabass besitzt er noch immer und spielt ihn gelegentlich zu Hause. Im Mittelpunkt steht inzwischen jedoch die Arbeit als Produzent und Toningenieur.

Auch in seiner Freizeit spielt Musik eine große Rolle. Zu Hause legt Sternberg häufig eine Platte auf. Er besitzt mehr als 1000 analoge Tonträger, am liebsten hört er Jazz und Klassik. Wer Vinyl auflegt, muss sich bewusst für ein Album entscheiden, sagt er. Man nimmt die Platte aus der Hülle, legt sie auf den Plattenspieler und hört zu. Nach einer Seite muss man aufstehen, die Platte wenden oder eine neue auflegen. Das gehört dazu.

Plattenläden ziehen ihn deshalb auch auf Reisen an. In Prag entdeckte er einen Laden mit ungewöhnlichen gebrauchten Schallplatten. Das Stöbern ist für ihn mehr als ein Einkauf: Es geht um Entdeckungen, Zufälle und die Möglichkeit, Musik zu finden, nach der man gar nicht gesucht hat.

Bedingungen, bei denen die Darbietung und nicht die nachträgliche Korrektur im Mittelpunkt steht

Sternberg möchte mehr Künstlern die Möglichkeit geben, ihre Musik auf analoge Weise aufzunehmen. Dass sich damit die gesamte Musikindustrie verändern lässt, glaubt er nicht. Doch er möchte zeigen, dass es auch heute möglich ist, Musik unter Bedingungen zu produzieren, bei denen die Darbietung und nicht die nachträgliche Korrektur im Mittelpunkt steht.

»Vinyl ist kein Relikt aus vergangenen Zeiten. Es ist ein bewusst gewähltes Gegenmodell – zu einer Musikproduktion, die nahezu alles nachträglich perfektionieren kann, und zu einer Hörkultur, in der Musik oft nur noch nebenbei läuft.«

Was am Ende zählt, ist der Moment, in dem eine Aufnahme als Ganzes funktioniert und die Musik ihre Unmittelbarkeit behält. Sternberg will sich noch eine Platte zu Hause anhören. Er nimmt seine Jacke, schaltet die Geräte aus und schließt das Studio ab.